Les Années 80 sont souvent considérées comme l’âge d’or de l’anime et pour cause. C’est à ce moment-là que le Studio Ghibli, Kyoto Animation, JC Staff et Daicon Films (connus sous le nom de Gainax aujourd’hui) ont tous été formés, et les producteurs ont commencé à ouvrir leurs esprits à un éventail beaucoup plus large en terme de genres. De plus, un certain nombre de facteurs différents ont conduit à un boom de la production et de la consommation d’anime au cours des années 1980, de l’introduction de la VHS à la vigueur de l’économie japonaise. En conséquence, les studios d’anime se surpassaient année après année avec des budgets de plus en plus élevés, se battant pour créer le prochain grand succès. ?
Créativement parlant, cette ère a été incroyablement fructueuse, nous offrant certains des plus grands films et séries d’animation jamais réalisés. Et ce qui est dingue, c’est que les gens parlent encore des Animes des Années 80 à ce jour. Mais de cette décennie incroyablement riche, quelles furent les meilleures proposition de ces studios encore méconnus à l’époque ? Quels films et émissions trouvent de nouvelles façons d’influencer les cinéastes, de gagner des fans et d’inspirer le public toutes ces années plus tard ? Voyons ça tout de suite !
NAUSICAÄ DE LA VALLÉE DU VENT : UN CLASSIQUE DE MIYAZAKI
Basé sur le manga du même nom d’Hayao Miyazaki, Nausicaä de la vallée du vent a ouvert la voie au Studio Ghibli. La maison d’animation désormais légendaire a été fondée à l’arrière de ce film révolutionnaire, inspiré par la pollution au mercure dans la baie de Minamata au Japon. L’histoire se déroule mille ans après un événement apocalyptique qui a laissé la planète en ruine. De vastes étendues de terre sont couvertes de jungles toxiques remplies d’insectes géants qui ont muté. Nausicaä, princesse de la vallée titulaire, espère trouver un moyen de faire cohabiter les humains survivants et les habitants de ces jungles toxiques, mais sa quête d’harmonie sera ralentie par le royaume assoiffé de pouvoir de Tolmekia.
Nausicaä est, au fond, un conte anti-guerre. L’événement qui a détruit le monde (appelé les «Sept jours de feu») a été causé par des armes biologiques créées par l’Homme, et l’intrigue du film tourne autour de deux nations se disputant un embryon qui peut être utilisé pour recréer ces armes dévastatrices de destruction massive. L’influence du climat politique de l’époque est évidente. Miyazaki reflète la guerre froide dans Nausicaä , créant une impasse entre deux puissances et jouant sur la peur de l’humanité d’en arriver au conflit nucléaire. ?
Le film, qui a ensuite été surnommé “le premier chef-d’œuvre de Hayao Miyazaki” par Roger Ebert, a également marqué la première collaboration entre Miyazaki et le directeur musical Joe Hisaishi, qui allait ensuite composer des partitions mémorables pour certains des films les plus célèbres de Miyazaki.
LES AILES D’HONNÉAMISE : UN ANIME SOUS-ESTIMÉ
En 1987, Gainax (le studio qui allait créer le grand classique Neon Genesis Evangelion des années 90) a fait ses débuts avec un film intitulé Les Ailes d’Honnéamise. Écrit et réalisé par Hiroyuki Yamaga, alors âgé de 24 ans, l’anime se déroule dans un avenir alternatif dans lequel l’humanité n’a pas encore visité l’espace. Inspiré par une fille qu’il rencontre, le protagoniste Shiro se porte volontaire pour devenir le premier astronaute.??? Cela ressemble à quelque chose qu’Hayao Miyazaki aurait pu faire, mais le film de Yamaga est beaucoup plus cruel que le tarif typique du Studio Ghibli, ce qui explique en partie pourquoi il n’a pas eu l’impact souhaité lors de sa sortie.
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Cependant, il a continué à être reconnu comme un travail important, et selon The Quietus, il devrait toujours être considéré comme “une visualisation requise” pour tous les fans d’anime aujourd’hui. Comme l’explique le magazine en ligne, “Les séquences aériennes sont visuellement remarquables : les tons des couleurs dans le ciel, les perspectives du sol et de l’horizon, le jeu en apesanteur de la “caméra” au-dessus des nuages. C’est la direction artistique du tiroir du haut, le storyboard, l’édition, comme vous l’appelez.” ?
AKIRA : UN CHEF-D’ŒUVRE DES ANNÉES 80
Sorti en 1988, Akira de Katsuhiro Otomo était le film d’animation le plus cher de son temps, et en plus, il devint célèbre du jour au lendemain. L’esthétisme du film, qui se déroule dans une mégapole née à la suite de la destruction de Tokyo trois décennies plus tôt, continue d’informer le genre cyberpunk à ce jour. Les rues inondées de néons dans le Neo Tokyo ont été minutieusement créées à l’aide de l’animation cel, et le travail acharné fourni par le studio a vraiment porté ses fruits. Le film a une qualité riche, et il est meilleur que presque tout ce qui l’a précédé. “Nous n’avions même pas utilisé d’ordinateurs à l’époque”, a déclaré l’animatrice clé Kuni Tomita (via le Japan Times). “Tous dessinés à la main. Si vous y pensez, c’était un travail incroyable. Beaucoup de dévouement.” ??
Akira a été bien accueilli au Japon, et il a récupéré suffisamment de son budget de plus d’un milliard de yens pour être considéré comme un succès financier. Surtout, le film d’Otomo (qui était basé sur sa propre série de mangas de longue date) faisait également des vagues à l’étranger. “L’anime a brièvement pénétré les marchés américains avec des imitations telles que Speed ??Racer, mais aucun n’a eu tout à fait l’effet d’Akira “, se souvient Film School Rejects. “Le film a été distribué sur des cassettes VHS piratées dans tous les collèges, et une fois que le public américain a été témoin du film, il avait plus faim que jamais d’animes.” Hollywood a échoué en essayant de faire décoller un film Akira en direct depuis des années maintenant, mais bon, vous ne pouvez pas améliorer quelque chose qui est déjà si génial. ?
VAMPIRE HUNTER D : UN BRILLANT MÉLANGE D’ACTION, DE FANTAISIE ET D’HORREUR
Basé sur une série de romans de l’auteur d’horreur Hideyuki Kikuchi, le Vampire Hunter D de 1985 s’est fait connaître comme un classique culte dans les années qui ont suivi sa sortie, en partie parce qu’il était dans le premier lot de films d’animation à frapper les États-Unis dans les années 90. Le film était essentiellement une adaptation directe du premier roman de Vampire Hunter D, qui n’avait que deux ans à l’époque. Un chasseur de vampires est embauché par une fermière nommée Doris Lang dans le but de tuer le noble vampire qui l’a attaquée et mordue. Comme Blade dans Marvel Comics, D est l’enfant métis d’un vampire et d’un humain, ce qui signifie qu’il a des pouvoirs de vampire extraordinaires avec les vulnérabilités habituelles de notre race. ????
Selon Forbes, le premier film Vampire Hunter D a été considéré comme un énorme succès lors de sa sortie. La fusion entre la science-fiction et la haute fantaisie s’est avérée populaire auprès des fans des deux côtés du Pacifique, et les gens ne tarissent pas d’éloges sur le film aujourd’hui. “Du cheval robotique de D aux châteaux gothiques en passant par des êtres aux capacités psychiques, le monde de Vampire Hunter D est vraiment unique”, a déclaré le site d’horreur Bloody Disgusting. “Le film de 1985 implique une histoire que l’on peut apprécier sans nécessiter une connaissance approfondie de la série.”
MACROSS : LE MEILLEUR SPECTACLE DE MECHA DES ANNÉES 80
Un certain nombre d’expositions de mecha mémorables ont fait leurs débuts dans les années 1980. Décider dans lequel investir ton temps peut être difficile, mais à mon avis, il y a un anime qui se tient la tête et les épaules au-dessus des autres quand il s’agit d’aborder le thème des robots géants qui se battent. Macross a lieu en 2009, une décennie après qu’un vaisseau spatial extraterrestre géant se soit écrasé sur terre. L’humanité a pu inverser l’ingénierie de ce vaisseau spatial (baptisé SDF-1 Macross) et utiliser la technologie de pointe, mais cela a un coût, car la guerre éclate lorsqu’une race d’extraterrestres identifie le Macross comme un navire qui appartenait autrefois à leurs ennemis jurés. ?
Macross offre un mélange d’action épique, mais ce qui le distingue, c’est sa bande-son ingénieuse et ses éléments romantiques. Le créateur Shoji Kawamori a décrit le spectacle comme “un triangle amoureux dans le contexte de grandes batailles”, une formule qui sera utilisée dans plusieurs suites de Macross dans les années à venir. Cependant, Macross ne serait pas Macross sans la musique. La franchise s’est toujours largement appuyée sur ses bandes sonores, dont certaines sont devenues aussi célèbres que la série elle-même.
D’ailleurs, Mari Iijima, la doubleuse qui a joué la chanteuse idole Lynn Minmay dans Macross, a lancé sa carrière musicale à la suite du succès de l’émission. Et si tu as besoin de plus de preuves pour te prouver l’ingéniosité de ce spectacle, quel que soit le format, une version doublée et méticuleusement éditée de Macross est sortie aux États-Unis sous le nom de Robotech, qui est elle aussi devenue un grand succès à part entière. ?
L’ŒUF DE L’ANGE : LE MEILLEUR ANIME ARTISTIQUE DE L’ÉPOQUE
Mamoru Oshii est probablement plus connu pour avoir réalisé Ghost in the Shell en 1995, un film qui est considéré à juste titre comme un indispensable à visionner parmi les fans d’anime du monde entier. Comme Akira dans les années 80, cette épopée cyberpunk a captivé l’imagination du public américain grâce à ses visuels époustouflants. Mais alors que l’intrigue a laissé beaucoup de téléspectateurs se gratter la tête, Ghost in the Shell était un jeu d’enfant par rapport à l’Œuf de l’ange. ?
Sortie une décennie plus tôt, la collaboration d’Oshii avec l’artiste légendaire Yoshitaka Amano demande de la patience. Le film ne contient que deux personnages, et ils ne parlent pas très souvent. La première vraie ligne de dialogue arrive après 25 minutes dans ce film de 71 minutes. En surface, l’Œuf de l’ange est juste un film d’artiste magnifiquement exécuté, un “poème qui prend vie grâce à l’interprétation visuelle”, comme le dit le Classic Anime Museum. Il est censé être admiré pour son style unique plutôt que pleinement compris, mais il y a une histoire là-dedans, si vous savez où chercher. Si tu es toi aussi sensible à l’art, tu peux retrouver ici notre collection de Tableaux 5 pièces Dragon Ball.
Oshii est connu pour avoir étudié le christianisme pendant un certain nombre d’années, et la plupart de ses œuvres intègrent des thèmes chrétiens. L’Œuf de l’ange est riche en symbolisme religieux, mais le message est loin d’être positif. Selon le critique de cinéma Chris Stuckmann, Oshii a eu “une brouille avec sa foi” avant de réaliser L’Œuf de l’ange, et cela devient clair à mesure que le film progresse. Donc, si vous cherchez un beau film contemplatif sur la nature de la foi, ce classique des années 80 vaut vraiment le détour. ??
MON VOISIN TOTORO : UN FILM HISTORIQUE POUR LE STUDIO GHIBLI
Hayao Miyazaki a suivi son succès révolutionnaire Nausicaä de la vallée du vent avec la réalisation du Château dans le Ciel en 1986, un film merveilleusement animé qui mérite certainement un peu de ton temps si tu ne l’as pas déjà regardé. Ceci étant dit, il y a eu bien d’autres pépites dans l’univers de l’anime des années 80 que le Studio Ghibli a réalisé. Nous allons donc passer le premier long métrage officiel du Studio et passer directement à Mon Voisin Totoro en 1988, un film historique pour Hayao Miyazaki. ?
Cet anime emblématique s’articule autour de deux sœurs qui viennent de déménager à la campagne pour se rapprocher de l’hôpital qui soigne leur mère malade. Et pendant qu’elles sont là, elles rencontrent une créature magique, Totoro. Miyazaki aurait à l’époque alarmé quelque peu les investisseurs lorsqu’il annonça qu’il allait réaliser un film dans les années 50 sur deux petites filles et un esprit de la forêt nommé Totoro, mais il a prouvé que les sceptiques avaient tort car l’image (et le personnage principal) viendraient définir le Studio Ghibli dans les années à venir.
Il avait d’ailleurs vu juste ! Car qui de nos jours ne connaît pas Totoro ? Cette créature mystique est devenue incontournable dans le paysage Japonais et a fait découvrir à de nombreuses générations le style du Studio. Tu peux d’ailleurs retrouver tout un tas de produits dérivés sur Totoro et tous les autres films d’animation du Studio en exclusivité chez Passion Ghibli !
Selon Helen McCarthy, auteur du livre Hayao Miyazaki : Le maître de l’animation Japonaise (via Little White Lies), Mon Voisin Totoro “a étendu les références positives et sociales du studio en se liant si fermement à une époque plus simple et à une société régie par la nature”. C’est cette simplicité qui a rendu le film si spécial. De plus, il y a aussi une couche d’ambiguïté intéressante. Le fantastique Totoro ne figure pas si souvent que cela, l’accent étant largement mis sur ses voisins humains. L’esprit de la forêt n’apparaît que lorsque les filles ont besoin de lui, laissant certains téléspectateurs convaincus qu’il est en fait tout bonnement un produit issu de leur imagination.
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LE TOMBEAU DES LUCIOLES : UN DES FILMS LES PLUS DÉVASTATEURS JAMAIS RÉALISÉS
Le Tombeau des Lucioles du Studio Ghibli montre les dernières étapes de la Seconde Guerre mondiale à Kobe, au Japon, à travers les yeux d’un jeune frère et de sa petite sœur. Leur mère décède des brûlures qu’elle a reçues lors d’un raid aérien au début du film, et les enfants ont appris plus tard que leur père, le capitaine de la marine, était très probablement au fond de l’océan avec la majorité de la flotte japonaise. Seita et sa sœur, Setsuko, se déplacent d’un endroit à l’autre en essayant de rester en vie, mais à ce stade, le public sait déjà que c’est sans espoir. Après tout, le film débute avec Seita mourant de faim et rejoignant l’esprit de sa sœur avant qu’il ne remonte dans le temps. ?
Le Tombeau des Lucioles est une réalisation difficile, souvent déchirante – d’autant plus quand on sait que l’écrivain-réalisateur l’a réellement vécue. Isao Takahata (décédé en 2018 à 82 ans) et sa sœur, âgée de neuf et dix ans à l’époque, ont dû fuir leur maison à Okayama lorsque la ville a été bombardée. “Au fur et à mesure que je courais, de plus en plus autour de moi, quelque chose allait être touché, donc la course deviendrait de plus en plus déroutante”, a déclaré Takahata. “Je vais suivre cette voie, je vais suivre cette voie, et puis quelque chose a pris feu.” Cette trame de fond rend le film dévastateur encore plus puissant. En conséquence, Le Tombeau des Lucioles n’est pas le genre de film que tu regarderas en boucle, mais chaque fan d’anime devrait le voir au moins une fois dans sa vie. Plus de 30 ans se sont écoulés depuis sa sortie, mais il reste toujours aussi pertinent. ?
WICKED CITY : A DONNÉ UNE SUPER TOURNURE A L’ANIME
Le légendaire studio d’animation Madhouse a été créé au début des années 70 par quatre anciens employés du studio Mushi Pro, qui étaient tombés dans la tourmente. L’un de ces anciens employés était Yoshiaki Kawajiri, qui est devenu un directeur solide dans les années 1980 et a contribué à faire de Madhouse un acteur central. Il a fait ses débuts avec le Star Wars-esque Lensman en 1984, un film propre avec peu de violence. On ne peut pas en dire autant de son deuxième effort, le festival de gore inébranlable de Wicked City en 1987.
Ce qui a commencé comme un court métrage de 35 minutes a fini par devenir un long métrage lorsque les contributeurs de Kawajiri ont vu que ce qu’il produisait pouvait devenir un succès. Dans Wicked City, le monde humain coexiste secrètement avec un monde démoniaque. Une force de police secrète connue sous le nom de Garde noire protège la frontière entre les royaumes, qui devient dangereusement floue lorsque le traité sur les démons humains approche de sa date de renouvellement. Le film s’ouvre sur une scène particulièrement mémorable mettant en scène une démon femelle ressemblant à une araignée qui essaie, hum, d’émasculer notre protagoniste, Taki. Il s’échappe intact. Mais oui, cet anime relativement décalé n’est pas vraiment adapté aux familles. ?
“Aussi sombre et dérangé que Wicked City puisse être, il y a toujours un poids qui lui donne aussi du cœur” , explique la revue approfondie du film par Project Fandom . “Mariez ça avec une bonne intrigue, une pincée de cyberpunk et une animation à la Madhouse, et vous avez un classique.” Heureusement, ce ne sera pas le dernier classique de Kawajiri, comme Ninja Scroll de 1993. ???
CAPTAIN TSUBASA : UNE OEUVRE MAJEURE POUR L’ANIME ET LE FOOTBALL
Les Samurai Blue sont devenus des habitués de la Coupe du Monde de la FIFA au cours des deux dernières décennies, mais à l’époque où l’artiste manga Y?ichi Takahashi avait commencé à travailler sur Captain Tsubasa (connu sous le nom de Olive et Tom en France, le football n’était pas un sport bien connu au Japon. En fait, le pays n’avait même pas de ligue professionnelle avant les années 1990. Alors, comment un manga de football et son adaptation sous forme d’anime ont-ils réussi à capturer l’imagination de cette nation qui aime plutôt le baseball ? ?
Eh bien, Takahashi est tombé amoureux du football lors de la coupe du monde de 1978, qui a eu lieu en Argentine mais a été retransmise au Japon. Il a ensuite réussi à capturer l’essence du beau jeu dans Captain Tsubasa (qui a fait ses débuts dans le Weekly Sh?nen Jump en 1981), réussissant à vendre le sport à ses compatriotes. Beaucoup voient la création de Takahashi comme absolument essentielle au développement du football au pays du soleil levant. “Je suis reconnaissant que les gens le disent, et cela me fait honnêtement plaisir de penser que j’ai peut-être pu donner un coup de pouce au football japonais dans une certaine mesure”, a déclaré Takahashi via This Football Times.
En ce qui concerne l’intrigue, le capitaine Tsubasa suit le fanatique de football de 11 ans Tsubasa Oozora alors qu’il évolue d’athlète étudiant à superstar à part entière, jouant pour certaines des plus grandes équipes d’Europe. Les versions doublées de l’anime se sont avérées populaires sur le continent, en particulier en Espagne. “Je me souviens quand j’étais enfant… tout le monde à l’école parlait de ce dessin animé sur le football, du Japon”, a déclaré Fernando Torres, vainqueur de la Coupe du monde, ajoutant : “J’ai commencé à jouer au football à cause de cela.” ?
DRAGON BALL : LE JOYAU DES ANNÉES 80
Nous ne pouvions pas réaliser cet article sans te parler de l’emblématique saga Dragon Ball évidemment ! Dragon Ball Z est devenu si populaire en Occident que même ceux qui n’avaient aucune idée de l’anime en ont entendu parler. L’anime a dominé les esprits des jeunes à la fin des années 1990, établissant un terrain d’entente entre les dessins animés du samedi matin auxquels l’Amérique était habituée et l’anime hyper-violent, orienté pour les adultes, qui arrivait parfois du Japon. DBZ a également eu un impact énorme dans son pays d’origine. La réaction positive à la série a conduit d’autres animes comme One Piece, Naruto et Bleach à obtenir des adaptations d’anime, et le manga original Dragon Ball est toujours une référence dans le genre shonen à ce jour. Mais ce que beaucoup de gens ne semblent pas réaliser, c’est que DBZ n’est pas le premier anime basé sur le manga influent d’Akira Toriyama. ??
Créée en 1986, la saga Dragon Ball originelle est différente de la série DBZ à bien des égards. Dans la série originale, le personnage principal Goku n’est pas un héros musclé et surpuissant. C’est juste un petit garçon bizarre avec une queue de singe qui se trouve être super fort. Cela peut sembler un peu ennuyeux pour ceux qui ont grandi avec DBZ, mais Dragon Ball est un spectacle indéniablement brillant à part entière. En fait, selon ce que vous recherchez dans un anime, c’est sans doute le meilleur des deux. Il y a moins d’angoisse et plus de comédie. Il y a moins de papillonnage et des arts martiaux plus réalistes. Et il y a beaucoup plus de respect envers les orbes mystiques qui exaucent les souhaits dont l’histoire porte le nom, qui ont été utilisés beaucoup trop souvent dans DBZ. ?
En tout cas, si tu lis cet article c‘est que tu as probablement dû grandir avec au moins un de ces animes comme modèle. N’attends plus pour te procurer ta collection complète de Produits Dérivés DBZ et remémore-toi les bons souvenirs passés devant ta télévision ou en pleine lecture de tes mangas emblématiques !
